Cosme el Viejo y Lorenzo de Médicis: Mecenazgo Artístico

Los Medici o Médicis fueron una poderosa e influyente familia del Renacimiento de Florencia, entre cuyos miembros se destacaron cuatro papas (León X, Clemente VII, Pío IV y León XI), numerosos dirigentes florentinos, que sobresalieron por ser mecenas, patrocinando desinteresadamente a los artistas y científicos de su época. 

Los Medici fueron uno de los linajes de mecenas más importantes de Italia y de Europa. Los logros más significativos de la familia fueron en el campo del arte y de la arquitectura, tanto que los talentos que ellos emplearon son hoy las referencias principales.

La principal adquisición de la familia a través de la historia fue Miguel Ángel, un arquitecto, escultor y pintor, considerado uno de los mejores en los tres campos, quien produjo una serie de obras para distintos miembros de la familia, comenzando con Lorenzo el Magnífico. Además de contratistas de obras de arquitectura y mecenas artísticos, los Médici fueron prolíficos coleccionistas, reuniendo multitud de obras que hoy forman la colección central de la Galleria Uffizi de Florencia.

En arquitectura, los Médici son responsables de varios edificios notables de Florencia, incluyendo la Galleria Uffizi, el Palacio Pitti, los Jardines de Boboli y el Palacio Medici.

• Juan di Bici de Medici comisionó personalmente a Brunelleschi para reconstruir la iglesia de San Lorenzo en 1419
• Cosme el Grande también encargó a Brunelleschi finalizar la cúpula de Santa Maria dei Fiori. Finalizada en 1436, era la cúpula más grande de su época
• Leonor Álvarez de Toledo, esposa de Cosme I, compró el Palazzo Pitti a Buonaccorso Pitti en 1550
• Cosme I apadrinó a Vasari, que construyó la Galleria Uffizi en 1560

Biblioteca Laurenciana, vestíbulo, escalera (Miguel Ángel Buonarotti)

Los Medici eran originarios del valle de Muguello. Emigraron a Florencia en el siglo XIII, pero consolidaron su riqueza bajo Juan de Medici (Giovanni di Bici, 1360 - 1429), cuyo hijo Cosme se convirtió en 1434 en el primer dignatario de la ciudad, posición que ocupó igualmente su hijo Pedro y su nieto Lorenzo, que pasará a la posteridad con el nombre de Lorenzo el Magnífico. Expulsada en dos ocasiones, y después reclamada, la familia tomó el control casi absoluto de la Toscana. Alabados como mecenas y criticados como tiranos, tuvieron una vida bastante atormentada. Cosme de Medici (1389 - 1464) ejerció tanto imperio sobre la oligarquía florentina que ésta creía, que privándola de su dirección, cuando fue expulsado en 1433 de la ciudad, recaería forzosamente en la deplorable política de cada uno para sí. Fundó una dinastía que rigió el destino de Florencia, primero secretamente durante el siglo XV, después abiertamente durante los siglos XVI y XVII. Había heredado de su padre un buen sentido comercial y olfato para los negocios. 

El mecenazgo es, a menudo una buena apuesta y Cosme tenía ambiciones dinásticas. Adquirió manuscritos, fundó bibliotecas (San Marcos, en la Abadía de Fiesiole, y la Biblioteca Laurenciana), patrocinó a figuras importantes como Argyropolous o Marcilio Ficino, crenado un círculo de debates que el inicio de la Academia Platónica. Frecuentó a pintores como Fra Angelico, al cual comisionó el retablo para el altar mayor de San Marcos y a Paolo Uccello quien pintó para él, en tres episodios, la Batalla de San Romano. Su escultor preferido fue Donatello, a quien confió la decoración en etrusco y las puertas de bronce de la Vieja Sacristía de San Lorenzo. Ejecutó también para Cosme la estatua de David y el grupo de Judith Holofernes. Puso en manifiesto varias veces su pasión por la arquitectura. Aunque admiraba a Brunelleschim quien en 1436 terminaba la cúpula de la catedral, Cosme escogió a Michelozzo di Bartolomeo para la construcción de las villas de Careggi y de Cafaggiolo, así como para la edificación del palacio de la via Larga. 

El concepto de vida familiar retirada en el campo fue acelerado por una evolución que empezó a vislumbrarse en la Florencia del siglo XV, cuando se empezaron a construir villas con jardín contiguo y cerrado. Fue en edificios como el Palacio Medicis de Michelozzo o el Palacio Pitti donde empezaron a desarrollarse ese tipo de jardines. 

Los primeros jardines de este tipo fueron adoptados en torno a las propiedades de las familias patricias, en medio del paisaje de la Toscana. Los humanistas florentinos no fueron tampoco privados de villas adaptadasa sus sueños. La creación de la Academia coincide con el regalo hecho a Ficino por Cosme, en 1462, de una pequeña morada, vecina de la suya, en Careggi. Muy pronto el jardín adquirió una importancia primordial, como lo muestra gran villa medicea, la de Careggi. Michelozzo había acabado las reformas de la antigua casa solariega gótica, adquirida por Cosme hacia 1434 - 1440, había simplificado su aspecto y añadido una fachada que daba a los parterres, perforada por vanos más armoniosos. Pió II y Galeazzo Maria Sforza la visitaron como una de las más bellas moradas de Italia, sobre todo por el encanto de su jardín. 

Annunciazione Cavalcanti (Santa Croce, Firenze), fue realizada por Donatello

Lorenzo de Medici (1449 - 1492) sucede a su padre, Pedro de Medici a la edad de 20 años. Llamado el Magnífico, acabó por merecer su sobrenombre: la guerra había sumido a Italia en un baño de tal humillación que los florentinos vieron en Lorenzo al santo patrón de una era de paz, de abundancia y de gloria. En el siglo XIX historeadores nostálgicos cantaron las alabanzas del hombre que ofreció a su ciudad el último gran período de dominio cultural, era la época de Ficino y de Pico della Miracola, de Fillipino Lippi, de Botticelli y de Verocchio, de las grandes esperanzas de Leonardo da Vinci y de las ambiciones del joven Miguel Ángel.

La gran innovación cultural de Lorenzo se puede encontrar en su pasión por la vida en el campo y en su afición por las justas a las cuales les dio un fuerte impulso. Su obra política aparece como ardua y complicada, ya que tuvo que mostrarse atento en no abusar del margen de independencia del que gozaba la familia. En cambio, sus intervenciones en el campo cultural prueban que en el interior del hombre de estado y del jefe del clan se escondía un príncipe erudito. Su gran orgullo fue el de haber obtenido, en 1489, del papa Inocencio VIII el título de cardenal para su hijo Juan (el futuro Leon X), que iba a inmortalizar el nombre de los Medici.

Indiscutiblemente dotado de un gran talento y de una sólida cultura, Lorenzo de Medici tenía el sentido de la innovación intelectual y artística. Para él, el mecenagazgo consistía menos en efectuar encargos que en exhortar a los grandes a recurrir a los servicios de los artistas florentinos. En 1480 recomienda al rey de Nápoles, Giuliano da Maiano, y en torno a 1485 Verocchio viaja a Venecia. En la misma fecha Leonardo da Vinci se trasladó a Milán, bajo la sugerencia del señor de Florencia, que ansiaba satisfacer a Ludovico el Moro. En 1481, a instancias de Sixto IV della Rovere, reconciliado con Florencia, un equipo de pintores, entre las más importantes personalidades del arte toscano, Botticelli, Domencico Ghirlandaio, Signorelli, son enviados a Roma para decorar la Capilla Sixtina. A su vez Fillipino Lippi viaja a Roma llamado por el cardenal Carafa para decorar su capilla en la iglesia Santa Maria Sopra Minerva y por el papa Alejandro VI para pintar los Aposentos Borgia. Incitó a su primo Lorenzo di Pierfrancesco encargar a Botticelli La Primavera y El Nacimiento de Venus. Fueron los Tornabuoni y los Sassetti, asociados de Lorenzo el Magnífico, quienes pagaron a Ghirlandaio los ciclos de frescos de Santa Trinitá y de Santa Maria Novella. Encomendó a Giuliano da Sangallo la edificación de una de sus casas de campo favoritas, la de Poggio a Calano, y a Perugino, Botticelli, Ghirlandaio y Fillipino Lippi decorar su villa de Spedaletto, cerca de Arezzo, cuyos frescos han desaparecido. Discípulo de Botticelli, trabajó en Spoleto y en Roma, Fillipino LIppi recibió en 1484 - 1485 el encargo de terminar los prestigiosos frescos de Masaccio (fallecido unos cincuenta años antes) en la capilla Brancacci de la iglesia del Carmine de Florencia. Fue solicitado asimismo por los Strozzi en 1487, para decorar la capilla de la familia, situado en el transepto de Santa Maria Novella.

Giuliano da Sangallo (1445 - 1516) fue el arquitecto oficial de Lorenzo el Magnífico. Como heredero de la tradición de Brunelleschi, dirigió, a instancias de Lorenzo, los primeros trabajos de construcción de la iglesia Santa María delle Carceri en Prato. Superando a su maestro, supo interprestar los ideales aristocráticos y neoplatónicos del círculo de los Medici. Ejecutó la sacristía de la iglesia Santo Spiritu y realizó la villa de Poggio a Calano. También Benedetto da Maiano (1442 - 1497), formó parte del selecto grupo de arquitectos de Lorenzo el Magnífico. Construyó el Palazzo Strozzi, partiendo de criterios elaborados por Michelozzo.

La acción cultural de Lorenzo el Magnífico se manifestó de dos maneras: por una prestigiosa política y por un cierto número de iniciativas personales y de encargos. No se puede ignorar la magnitud de la primera, aunque tendiera a desalojar de Florencia a sus artistas, por otro lado, los proyectos más interesantes fueron casi todos interrumpidos por la muerte prematura de Lorenzo a los cuarenta y tres años de edad.

Villa de Poggio a Caiano, Giuliano da Sangallo, 1487. 

Fileteado

El fileteado es un estilo artístico de pintar y dibujar, típicamente porteño, que se caracteriza por líneas que se convierten en espirales, colores fuertes, el uso recurrente de simetría, efectos tridimensionales mediante sombras y perspectivas y un uso sobrecargado de la superficie. Su repertorio decorativo incluye principalmente estilizaciones de hojas, animales, flores, banderines y piedras preciosas. 

Nacido en la ciudad de Buenos Aires hacia fines del siglo XIX como un sencillo ornamento para embellecer carros de tracción animal que transportaban alimentos, con el tiempo se transformó en un arte pictórico de la ciudad, hasta tal punto que pasó a convertirse en un emblema iconográfico que mejor representa a la ciudad. 

Generalmente se incluyen frases ingeniosas, refranes poéticos o aforismos chistosos, emocionales o filosóficos, escritos a veces en lunfardo, con letras ornamentadas, generalmente góticas o cursivas. Muchos de sus iniciadores formaban parte de las familias de inmigrantes europeos, trayendo consigo algunos elementos artísticos que se combinaron con los del acervo criollo, creando un estilo típicamente argentino. 

El inicio del fileteado se origina en los carros grises tirados por caballos, que transportaban alimentos como leche, fruta, verdura o pan a finales del siglo XIX. Una anécdota, relatada por el fileteador Enrique Brunetti, cuenta que en la Avenida Paseo Colón, que en aquel entonces era límite entre la ciudad y su puerto, existía un taller de carrocerías en el que trabajaban colaborando en tareas menores dos niños humildes de origen italiano que se convertirían en destacados fileteadores: Vicente Brunetti y Cecilio Pascarella. Un día el dueño les pidió que dieran una mano de pintura  a un carro, que, en aquel entonces estaban totalmente pintados de gris. Tal vez por travesuras o solo  por experimentar, pintaron los chanfles del carro de colores, por lo que otras empresas de carrocería imitaron la idea, dando, de esa manera inicio al decorado de los carros. El siguiente paso fue colorear los recuadros de los mismos empleando filetes de distinto grosor. 

Al pintor que decoraba los carros se lo llamaba filiteador, pues realizaba el trabajo con pinceles de pelo largo o pinceles para filetear. Esta es una palabra derivada del latín filum, que significa hilo o borde de una moldura, refiriéndose en arte a una línea fina que sirve de ornamento. Por tratarse de una tarea que se realizaba al finalizar el arreglo del carro e inmediatamente antes de cobrar el pago al cliente, que estaba ansioso de recuperar su herramienta de trabajo, el fileteado debía realizarse con rapidez. 

Surgieron especialistas habilidosos como Ernesto Magiori y Pepe Aguado, o artistas como Miguel Venturio, hijo de Salvador Venturio. Este último había sido un capitán de la Marina Mercante de Italia que al jubilarse se estableció en Buenos Aires, donde se dedicó al fileteado, incorporándole motivos e ideas de su patria. Miguel estudió pintura y mejoró las técnicas de su padre, siendo considerado por muchos fileteadores como el pintor que dio forma al filete. A él se le debe la introducción de pájaros, flores, diamantes y dragones en los motivos y diseño de las letras en las puertas de los camiones. 

La aparición del automóvil provocó el cierre de las carrocerías instaladas fuera de las ciudades, por lo que los carros y las sulkies de los campos y las estancias debieron ser llevados a las  ciudades para ser reparados de los daños ocasionados. Al hacerlo, también se los ornamentaba con el fileteado, pasando el filete de lo urbano a lo rural. 

El camión eliminó de la escena al carruaje de transporte alimenticio y los primitivos fileteados de estos se perdieron por siempre, pues nadie se tomó la molestia de conservar alguna muestra para la posteridad. Por otra parte, el camión presentaba todo un reto para el fileteador por ser mucho más grande y estar lleno de recovecos. En las empresas de carrocerías trabajaban carpinteros, herreros, pintores de lizo y fileteadores. 

Cuando el colectivo porteño comenzó a dejar de tener el tamaño de un auto para pasar a ser una especie de camión modificado se lo empezó a filetear. La superficie a pintar carecía de divisiones como los de la caja del camión, era metálica, y el filete a pintarse era más elemental, sin figuras. Se utilizaban las líneas arabescas y las figuras. En su interior se fileteaba, en ocasiones, la parte trasera del asiento del conductor. 

El fileteador utilizaba un espúlvero (papel sobre el que se dibujaba la obra), luego se perforaba con un alfiler siguiendo el trazo del diseño, se colocaba sobre la superficie a pintar, y, por último, se espolvoreaba tiza o carbón en polvo sobre él, al estilo de los maestros renacentistas, de manera que indicara por donde realizar el trazo con el pincel. Hecho esto se utilizaba el reverso del espúlvero para repetir los mismos pasos en otra sección de la superficie a pintar, para obtener la misma imagen, pero al revés. De esta manera se lograban las imágenes simétricas, tan características del fileteado. 

A finales de la década de los 60 y comienzos de los 70 fueron años de esplendor para el fileteado, pues, además de los buenos maestros en este arte, existían grandes camiones y colectivos en cantidad. La escultora argentina Esther Barugel y su esposo, el pintor español Nicolás Rubió fueron los primeros en realizar una investigación minuciosa sobre el génesis del fileteado, organizaron el 14 de septiembre de 1970 la primera exposición en la Galería Wildestein en Buenos Aires. La exposición fue un éxito e hizo que la gente de la ciudad comenzara a apreciar aquello que veía cotidianamente circular por las calles, pero a lo que nunca había prestado mayor atención. 

El fileteado dejó de verse como una simple artesanía que servía solo como un sencillo ornamento para carro o camión, y se le dio una mayor importancia, reconociéndose en el país y en el exterior como un arte de la ciudad, que, desde entonces, se separó del camión y se extendió a todo tipo de objetos. Las obras que se expusieron en la galería se encuentran actualmente en poder del Museo de la Ciudad de Buenos Aires. Posteriormente se realizó una segunda muestra, con la presencia de camiones fileteados, que al día siguiente volverían al trabajo, con sus obras de arte a cuestas, como lo habían hecho siempre. 

En 1975 una ordenanza, que fue actualizada en 1985, prohibió su uso en los colectivos, a excepción de un filete entre los planos de color del techo y la parte inferior, argumentando que producían confusión en los pasajeros al momento de tener que leer los números y recorridos de los mismos. A pesar de que esto casi termina con la propagación del filete y que hoy día los pocos colectivos que aun lo usan lo hacen en muy menor medida, logró sobrevivir y difundirse, siendo hoy curiosidad por parte de los extranjeros. 

La generación de artistas surgidos en 1970 dio impulso a difundir la obra y a interesar a los más jóvenes. El fileteado comenzó a pintarse en cuadros, algo en lo que se destacó Martiniano Arce, seguido más tarde por Jorge Muscia. Otra figura relevante fue León Untroib, como maestro de fileteadores, precursor de la utilización del filete en la decoración de diversos objetos y gráfica publicitaria, donde también cabe destacar el aporte de Luis Zorz, Miguel Gristan y, más recientemente, de Alfredo Genovese. A partir de la década de los 90 también se agregan varias mujeres a este oficio. 

Escuela de la Bauhaus

La Staatliche Bauhaus (Casa de Construcción Estatal), o simplemente la Bauhaus fue una escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y clausuradas por las autoridades prusianas, en manos de los nazis, en el año 1933. El nombre Bauhaus deriva de las palabras en alemán Bau (construcción) y Haus (casa), irónicamente y a pesar de que su fundador fuera un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia. 

Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas para una consiguiente transformación de la sociedad de la época, de acuerdo con la ideología socialista de su fundador. La primera fase (1919 - 1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923 - 1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925 - 1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado e Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de su programa de enseñanza.

La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico. La escuela estableció los fundamentos académicos sobre los que se basaría una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana.

La fundación de la Bauhaus se produjo en un momento de crisis y caos en el conjunto de Europa, especialmente en Alemania. Su creación se debió a un conjunto de desarrollo político, social, educativo y artístico en los dos primeros decenios del siglo XX. 

En el momento de su fundación, los objetivos de la escuela, definidos por Walter Gropius, en un manifiesto fueron: La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirán en objetos de consumo accesible para el gran público, ya que una de sus metas era independizarse y comenzar a vender los productos elaborados en la Escuela, para dejar de depender del Estado, que hasta ese momento era quien los subsidiaba. La Bauhaus se formó cuando Gropius une la escuela de artes con la escuela de artes aplicadas, transformándose en la primera escuela de diseño del mundo.

Entre los primeros estudiantes se encontraban Marcel Lajos Breuer y Joost Schmit, que alcanzaron cierto éxito. Los estudiantes se mostraban flexibles y dispuestos a realizar todo tipo de trabajos, por tanto salían de la escuela sabiendo dibujar, modelar, fotografiar o diseñar muebles. La escuela disponía de talleres de ebanistería, diseño, teatro cerámica, tejido, encuadernación, vidriería, aunque carecía de talleres de escultura y pintura en el sentido tradicional.

El taller de teatro, dirigido por Oskar Schlemmer, era considerado muy importante dentro del programa de la escuela por su naturaleza de actividad social, que combinaba diversos medios de expresión. Decorados, vestuarios, etc, formaban parte de las prácticas de los alumnos. Fueron famosas las obras de Schlemmer, sobre todo el Ballet Triádico, obra estrenada en el teatro de Stuttgart.

Paul Klee llegó a la escuela en 1920. Persona muy culta, muy interesado por los problemas teóricos del arte. Desarrolló su actividad en el taller de tejidos, dando clases de composición. Su enseñanza se basaba en las formas elementales, de las que, según él, se derivaban todas las demás. El arte debía descubrir esas formas, desvelarlas, hacerlas visible. Preparaba las clases escribiendo en unos cuadernos que, posteriormente se editaron en forma de libro. Paul Klee se retiró en 1933.

En 1922 Kandinsky se incorpora al proyecto. Había participado en las reformas educativas en la época de la revolución rusa, fundando en la Unión Soviética varias escuelas. Durante ese tiempo mantuvo correspondencia con Gropius. Cuando la revolución rusa comenzó a sufrir dificultades y comenzaron las disputas y purgas políticas, Kandinsky decidió trasladarse a la Bauhaus. Su prestigio, tras la publicación de su libro De los espiritual en el arte en 1911 y sus primeras obras abstractas de 1910, era por entonces ya muy grande. Sustituyó a Schlemmer en el taller de pintura mural y dio clases con Paul Klee en el curso de diseño básico. Su mente teórica fue decisiva para iniciar el camino hacia el arte más intelectual y razonado, donde utilizaban el alma del objeto para esculpirla en la tela con rasgos abstarctos. 

La primera etapa culmina con la necesidad de cambio de sede de la escuela propiciado por la gran depresión. En 1923 se estrena la sede en Dessau. Esta primera etapa se puede sintetizar como una fase de experimentación de formas, productos y diseños.

En 1923, Theo van Doesburg, fundador en los Países Bajos del neoplasticismo, pintor, arquitecto y teórico, comienza a publicar la revista Der Stijl en Weimar, ejerciendo una influencia decisiva en los estudiantes y en Gropius que acabaría llevando a la escuela a tomar otro rumbo. 

A partir de 1923 se sustituye la anterior tendencia expresionista por la Nueva Objetividad, un estilo expresionista de pintura, aunque mucho más sobrio que se estaba imponiendo en toda Alemania. La incorporación a la Bauhaus de László Móholy-Nagy, un artista muy cercano a van Doesburg, supuso la introducción en la escuela de las ideas del constructivismo ruso de Lissisky y Tatlin, que abogaban por un arte comunal, basado en la idea y no en la inspiración. De esta época dantan algunos de los más importantes escritos teóricos de la Bauhaus en el ámbito de la pintura. Paul Klee escribe Vías de estudio en la naturaleza, mientras que Kandinsky publica Punto y línea sobre el plano.

En 1928 László Moholy-Nagy, tras cinco años de docencia, abandona la Bauhaus, decisión tomada ante la creciente presión que ejerce el grupo de docentes y alumnos de tendencia comunista. En 1932 el partido nazi decide cerrar la escuela, por lo que Mies van der Rohe traslada la Bauhaus a Berlín con fondos ganados de la ilegalidad del cierre de contratos.

Tras 1933, gran parte de los integrantes de la Bauhaus marcharon a los Estados Unidos, en donde se desarrolló una especie de la continuación de la Bauhaus hasta la Guerra Fría. En 1951 el arquitecto y escultor suizo Max Bill, siguiendo los lineamientos de la Bauhaus original fundó en Ulm (Alemania) la Escuela Superior de Proyectación, que recupera pronto la denominación de Bauhaus, o para diferenciarla de la inicial, Nueva Bauhaus, de la cual fue director, entre 1954 - 1966, el pintor y diseñador argentino Tomás Maldonado, quien enfatizó aún más con el carácter científico y racionalista aplicado a las artes.

Arte y Arquitectura Románica

El Románico fue un estilo artístico predominante en Europa durante los siglos XI, XII y parte del siglo XIII. Fue el primer gran estilo netamente cristiano y europeo, agrupando a las diferentes opciones que se habían utilizado en la temprana Edad Media, consiguiendo formular un lenguaje específico y coherente aplicado a todas las manifestaciones artísticas. No fue producto de una sola nacionalidad, más bien surgió de manera paulatina y casi simultánea en Italia, Francia, Alemania y España. 

Desde el siglo VIII, una serie de acontecimientos históricos posibilitaron la renovación y expansión de la cultura europea: la subida al trono de Francia de los Capetos, la consolidación y difusión del cristianismo, el inicio de la Reconquista de la Península Ibérica, y, fundamentalmente el nacimiento de las lenguas románicas, son los hitos que marcaron este resurgimiento.

Alrededor del año 1000 una expansión generalizada en los ámbitos económico y cultural propició un importante crecimiento demográfico en las sociedades occidentales, roturándose nuevas tierras y abriéndose antiguas rutas de comercio que posibilitaron los caminos de peregrinación y Europa se vio invadida por una auténtica fiebre constructiva.

El término Románico (como concepto artístico) fue utilizado por primera vez en 1820 por Charles de Gerville, refiriéndose a todo el arte que se realizó anterior al estilo gótico desde la caída del Imperio Romano. Posteriormente la aceptación del arte románico  se fue restringiendo y pasó a designar el arte realizado en Occidente entre los siglos XI y XII, aunque todavía hoy siguen las controversias para determinar con exactitud la amplitud del espacio y del tiempo que abarca este estilo. 

El Monasterio de Cluny, fundado en el año 930, se convierte en el gran centro difusor de la reforma, alcanzando rápidamente una gran expansión y consiguiendo que a través de sus monasterios el arte románico se difundiera por todo el mundo cristiano europeo. Antes de que la orden de Cluny extendiera ese arte, ya se había desarrollado en Italia, en la región de Como, en España y Aragón, época que se conoce como el primer románico. En otros lugares como Cataluña se formaron bases sólidas para el rico desarrollo de la arquitectura románica que seguiría el resto de Europa. En el Principado de Cataluña se hicieron los primeros abovedamientos de las iglesias españolas. Algunas características del importante arte románico catalán son: 

• Empleo de arco de medio punto
• Piedra escuadrada pero no pulida
• Cabeceras de semitambor adornadas con arquillos y bandas rítmicamente dispuestas
• Los templos se cubren con bóvedas pétreas de cañón y horno
• Las naves son más amplias y elevadas
• Se emplean los pilares como sustentación
• No hay figuración escultórica

La época dorada del estilo por su calidad y belleza (es decir, el románico pleno) se extiende desde la última mitad del siglo XI a la primera del XII, procedente de Francia, transmitido fundamentalmente a través del Camino de Santiago. Está caracterizada por:

• Esculturas en las fachadas
• Puertas
• Ventanas
• Canecillos

Durante la segunda mitad del siglo XII y la primera del siglo XIII, a medida que las soluciones arquitectónicas se afianzan y se mejoran, surge el tardorrománico. Una de sus expresiones es el arte cisterense que se expande con las abadías del orden de Cister.

En el principado de Cataluña el románico será muy importante. De influencia lombarda, creará las bóvedas de cañón en las naves con arcos ojivales en los espacios menores y en las cúpulas. El primer período está caracterizado por la austeridad que dará paso a la majestuosidad. Algunos ejemplos son:

• La iglesia de San Vicente de Carona
• La Catedral de Gerona
• La iglesia románica del Valle de Bohí, en la Provincia de Lérida, declarada Patrimonio de la Humanidad. 

En el resto de España el Románico floreció en el resto de los territorios cristianos, al amparo de la ruta de peregrinación jacobea. El románico español es uno de los más ricos y variados de toda Europa. Son particulares las influencias islámicas, catalanas, francesas, lombardas y visigodas que se amalgamaron para crear un estilo propio. El foco principal se encuentra en Castilla y Aragón. La obra fundamental del Románico hispano es la Catedral de Santiago de Compostela, con conjuntos escultóricos de entre los más singulares de Occidente. A lo largo del Camino de Santiago fueron apareciendo la Catedral de Jaca y San Isidro de León. En la actualidad, algunos de los mejores conjuntos románicos se concentran en Castilla y León: 

• La Real Basílica de San Isidro de León, considerado uno de los mejores conjuntos románicos de toda España. Contiene la llamada Capilla Sixtina Románica: el Panteón de los Reyes, decorado con un importante ciclo pictórico
• El románico palentino, destacando la comarca de Aguilar del Campo con muchísimas iglesias rurales. También cabe mencionar a la iglesia de San Martín de Frómista, uno de los monumentos más completos del Románico español
• La ciudad de Zamora con una veintena de monumentos románicos, desde el siglo XI al XIII, incluyendo la Catedral, con su original cimborrio
• La ciudad de Ávila con decenas de monumentos románicos, destacándose la Basílica de San Vicente. 
• El Grupo de los Cimborrios del Duero está compuesto por la Catedral de Zamora, la Catedral Vieja de Salamanca, la Colegiata del Toro y la Catedral Vieja de Plasencia. 
• La ciudad de Segovia cuenta con un destacable conjunto de iglesias destacando las características torres y pórticos que son parte del románico segoviano
• El Románico de la Sierra de Demanda conserva algunos de los monumentos religiosos que se encuentran en la Provincia de Burgos  y La Rioja, entre ellos se destaca el Monasterio de Silos con su magnífico claustro
• La ciudad de Soria conserva algunos conjuntos interesantes como el claustro de la concatedral de San Pedro, la iglesia de Santo Domingo, la iglesia de San Juan de Rabanera, y, sobre todo, las ruinas del monasterio de San Juan del Duero

En Francia, el Románico alcanzó gran vigor y difusión gracias al Monasterio de Cluny (desaparecido en su mayor parte), centro irradiador del nuevo arte. Surgieron varias escuelas o centros artísticos, cada una con características particulares y propias. Algunos de los monumentos más destacados son: 

• La Basílica de Saint-Sernin (Toulouse)
• La iglesia abacial de Santa Fe (Conques)
• La Basílica de la Magdalena (Vézelay)
• San Trófimo en Arles: posee un destacable conjunto escultórico
• Notre-Dame la Grande (Pointiers)
• Abadía de Notre-Dame (Fontgombault)
• La Abadía de Saint-Savin-sur-Gartempe

En alemania, el Románico siguió la estela del arte otoniano, creando conjuntos arquitectónicos de gran monumentalidad, muchas de las cuales aportan soluciones novedosas , como la solución de doble cabecera de Westwerk. Entre las más importantes se encuentran:

• Las Catedrales de Worms, Maguncia y Espira
• La Iglesia de Santa María del Capitolio en Colonia
• La Abadía de Santa María Laach

En Hungría el arte Románico evolucionó bajo una fuerte influencia germánica. Para mediados del siglo XI resultaba frecuente en basílicas y claustros húngaros el uso del  ábside cerrado con tres arcos semicirculares colocadas en lugares con tres naves sostenidas por pilares que descansaban en soportales, caracterizado por estar cubierto por una armadura abierta, a excepción de la semicúpula que cubría el ábside. Algunos ejemplos son: 

• La Catedral de Vác, construida alrededor del año 1074
• La Iglesia Benedictina de Garamszentbendek, construida alrededor del año 1075
• La Abadía de San Edigio en Somogyvar, fundada en 1091.

La herencia clásica y paleocristiana se dejó sentir fuertemente en Italia. Como aportación original surgió allí el llamado estilo lombardo, un arte prerrománico, que se extendería después por otras regiones como Provenza. Los edificios románicos italianos se distinguen por su suntuosidad y decorativismo, así como por su claridad estructural. Como ejemplos, podemos mencionar:

• La Catedral de Parma
• La Basílica de San Ambrosio en Milán
• La basílica de San Miguel en Pavia
• Las Catedrales de Trento y Módena
• La Basílica de San Miniato al Monte en Florencia 
• El monumento románico más difundido en Italia es la Catedral de Pisa (incluye el baptisterio, la catedral y el campanario, la famosa Torre inclinada de Pisa

Mi camino hacia el Arte.....

El arte es entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa, a través del cual se expresan ideas, emociones, o en general una visión del mundo, mediante varios recursos como los plásticos, sonoros, lingüísticos, o mixtos, y por lo tanto es un componente fundamental de la cultura, formando, desde tiempos inmemoriales,  parte esencial de todo ser humano. 

Se suele asegurar que el camino hacia el éxito (o en este caso hacia el conocimiento)  está plagado de espinas, o por lo menos de dificultades de todo tipo, aunque, a decir verdad, esta ha sido una preciosa historia de descubrimiento personal, que me encantaría compartir con todos ustedes ¿me acompañan?

Esta increíble historia o, más bien, esta fascinante aventura de descubrimiento personal tuvo sus comienzos hace muchísimos años atrás, y, contrariamente a lo esperado comenzó con una de las disciplinas artísticas (o una de las Bellas Artes) más difíciles de comprender y asimilar para una adolescente, como lo es la arquitectura. Según la lógica debería haber comenzado por (y con) una de sus hermanas, la pintura, género que conocía un poco mejor y en que me sentía levemente más segura, pero la escuela de la vida siempre suele tener varias sorpresas preparadas para cada uno de nosotros, que aparecen inesperadamente en nuestro horizonte cuando menos lo esperamos.

Todo comenzó con una clase de historia antigua, específicamente, del Antiguo Egipto..., y con algunas fotos tanto de las pirámides de Giza, como de algunos de sus templos más famosos, aunque más que atender y concentrarme en la clase en sí, volvía una y otra vez a buscar aquellas maravillas, compenetrada totalmente en aquellas fascinantes construcciones, ¿la clase de historia?.., no necesitaba atender demasiado, estaba todo en los libros que, además, habían ganado en interés..., gracias a aquellas fotografías. Lejos estaba, a mis 15 años de edad, de comprender el real significado de lo que estaba sucediendo, el arte había hecho su aparición en mi vida, y con el tiempo se convertiría en un tema esencial en mi existencia. 

Aquella fascinación, aquel interés por el mundo de las civilizaciones antiguas (muchas de las cuales nos han dejado un legado cultural, artístico y científico enorme), tuvo su apoteosis en aquel maravilloso viaje a Egipto que realicé al finalizar mis estudios secundarios. Es imposible describir las miles de sensaciones, emociones y vivencias que pasaron por mi interior al observar aquellas maravillas de cerca, y al ser capaz de tocarlas con la palma de mi mano, mientras que algunas  preguntas comenzaban a agolparse en mi interior: ¿Cómo las realizaron y como todavía, y aun después de tanto tiempo seguían existiendo, especialmente cuando se tenía en cuenta de que muchos de los edificios modernos (construidos con las máquinas más modernas) a veces se desmoronaban como polvo, si llegaban a estar en el camino de un terremoto, por ejemplo?, y aunque me lo hubieran tratado de explicar, en aquel instante  seguramente, no lo hubiera ni asimilado ni comprendido.... Las respuestas a tales preguntas no llegarían hasta muchos años después. 

El arte había entrado triunfalmente en mi existencia, y contrariamente a lo que se puede llegar a  suponer, mi interés, lejos de estancarse o disminuir (especialmente después de terminar la escuela secundaria), aumentaba lenta pero de manera segura, con cada nuevo "descubrimiento" que realizaba. Solía pasarme tardes enteras buceando en algunas de las tantas enciclopedias sobre los temas de mi interés preferido, o bien prestaba muchísima atención cuando se hablaba sobre ellos,  lenta, pero seguramente fui abriendo el abanico del conocimiento, día a día un poco más, aunque, la asociación entre muchas palabras y los artistas de aquellos períodos, aun no me quedaban demasiado claros. 

En aquellos tiempos mis conocimientos sobre arte eran mínimas: además de tener algunos conocimientos sobre historia antigua, también  conocía algo sobre el período gótico, gracias, sobre todo, a aquellas impresionantes catedrales que estaban diseminadas por el mundo entero, sin olvidarme de los pocos compositores que conocía en aquel momento..,Mozart, Strauss, Mendelssohn y Chopin,  todo lo demás aun quedaba en tinieblas, como por ejemplo la asociación de Rafael,  Leonardo da Vinci y Miguel Ángel Buonarotti con el Renacimiento, fue gracias a otro viaje cultural, esta vez a la bella  y especial Viena, que me ayudaría a juntar las piezas dispersas del rompecabezas mental, viendo, ahora sí el "cuadro" terminado. 

Durante los años que siguieron a aquel viaje, y con una visión mucho más clara sobre el arte seguí transitando por aquel sendero en busca de nuevas maravillas y hermosuras, pasando del Renacimiento al Neoclasicismo, de la pintura academicista , a la impresionista y neoimpresionista, y la música de principios del siglo XX, descubriendo, en los últimos años, las bellezas que encierra el arte (arquitectura, escultura, música y pintura) contemporáneo con sus miles de innovaciones que han enriquecido la vida de todos los amantes del arte. Finalmente y más allá de la habilidad, creatividad, proyecto, idea, boceto, etc que cada artista tiene en mente a la hora de realizar una obra de arte, una pregunta: ¿Se puede realizar una verdadera obra de arte sin poner el alma y el corazón en cada minúsculo detalle de su creación y de su realización?...,sinceramente creo que es tan imposible como si tratáramos de hablar sobre arte, sin tener aunque sea algún conocimiento sobre el tema, sin olvidarnos del respeto y consideración para cada artista y su obra.

El Modernismo en el Arte

Modernismo es el término con el que (en España e Hispanoamerica) se designa a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del siglo XIX, época que se conoce como belle époque. En otros países este movimiento se conoce comoArt Nouveau (Bélgica y Francia), Modern Style (países anglosajones), Sezzession (Austria), Jugendstil (Alemania demás países nórdicos), Niewe Kunst (Países Bajos) y Liberty o Floreale (Italia).

Este movimiento artístico intentaba crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que representara una ruptura con los estilos dominantes de la época, tanto los de tradición academicista, como los rupturistas (impresionismo, etc). En gran medida estas aspiraciones se basaron en las ideas estéticas de John Rushkin y William Morris, que proponían democratizar la belleza o bien socializar el arte, intentando de esa manera que incluso los objetos más cotidianos tuvieran valor estético y fueran accesibles a toda la población, aunque sin utilizar las técnicas (entonces aun novedosas) de la producción masiva. El modernismo fue un género amplio, ya que englobó no solo a las llamadas artes mayores (pintura, escultura y arquitectura), también incluyó las denominadas artes menores, artes gráficas, diseño de mobiliario, rejería, joyería, cristalería, cerámica, etc, así como el mobiliario urbano, consistente en kioskos, farolas y estaciones de metro. 

Sus características son: 

• Inspiración en la naturaleza y el uso de elementos de origen natural, preferentemente las formas redondeadas entrelazándose con el motivo central
• Uso de la línea curva y la asimetría, tanto en las plantas y alzados de los edificios como en la decoración
• Tendencia a la estilización de los motivos
• Uso de las imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles (se nota en el drapeado de sus vestimentas y en las ondas de los cabellos)
• Actitud tendiente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, incluido, a veces, el erotismo
• Libertad en el uso de motivos exóticos (como, por ejemplo, las estampas japonesas)
• Aplicación envolvente del motivo tomando algunas de las características anteriores en contraposición con las características habituales de elementos a decorar.

La derivación de estas características del modernismo dio lugar al denominado Art decó con el que se lo confunde (e identifica), aunque sus características difieren entre si.

Se han calificado como pre modernistas las decoraciones murales del castillo francés de Roquetaillade, restaurado por Eugène Viollet-le-Duc en la década de 1850. Aunque su proposición era producir una recreación neogótica, lo que se obtuvo fueron unos frescos con un estilo germinal modernista de movimientos orgánicos, colores y formas de una gracia innovadora.

A lo largo de la segunda mitad del siglo XIX se fue intensificando dicha tendencia, visible en movimientos innovadores británicos como los Arts and Crafts de William Morris o la Hermandad Prerrafaelita. Los patrones de diseño de la arquitectura victoriana derivaron hacia formas flotantes libres, especialmente en el hierro forjado que se deja a la vista, se exhibe y se aprovecha más allá de su función arquitectónica, o en el uso de los grandes piezas de cristal irregular (vitraux).

En 1888 Charles R. Ashbee fundó la Guild and School of Handicraft de Whitechapel en Toynbee Hall, al este de Londres dedicado a la decoración integral de interiores (forja, joyería, esmalte y mobiliario). Tras cerrar en 1897 la Kelmshott Press de William Morris, Ashbee aprovechó la experiencia de muchos de sus trabajadores para ampliar su actividad al sector de la imprenta. La Guild se trasladó, en 1902 a CHipping CAmden, donde decae hasta su cierre en 1908.

La libertad vindicada en la década de 1890 por los grupos de artistas llamados secesión, aparecidas sucesivamente en varias ciudades europeas dio sustento ideológico y visibilidad pública al movimiento. 

Entre 1892 y 1893 Victor Horta construye la Casa Tassel. Su taller en Bruselas se convierte en un centro difusor de la nueva estética de arquitectura y diseño.El 1. de enero de 1895 un cartel publicitario difundido por las calles de París  representó la aceptación popular del art nouveau en las artes plásticas: era de Alfons Mucha y representaba a la actriz Sarah Berhard en Gismonda. 

En 1896 comenzó a publicarse en Múnich la revista Jugend (juventud) que dio nombre al estilo (Jugendstil) en Alemania. Un año más tarde se inauguró el el nuevo edificio de charles Rennie Mackintosh para la Glasgow School of Arts. El grupo de artistas de esa ciudad, liderado por Mackintosh, e identificados con el movimiento modernista, se conocerá como Escuela de Glasgow. Y entre 1897 y 1903 funciona en Barcelona el local Els Quatre Gats, punto de encuentro del modernismo catalán.

La Exposición Internacional de París (1900) sigificó un hito destacado. Fieron especialmente impactantes las instalaciones coordinadas en diseño y color de obras de arte junto a muebles y tapices, expuestas por iniciativa de la Maison de l'Art Nouveau, una galería de arte abierta cinco años antes en París por el marchand alemán Samuel Bing. Al igual que ésta, otras casas comerciales, como la londinense Liberty & Co, y la neoyorquina Tiffanys se identificaron tan estrechamente con la nueva estética que sus nombres se utilizaron también como denominación de la misma.

El modernismo alcanzó au apogeo en la Primera Exposición Internacional del Arte Decorativo Moderno de 1902 en Turín, donde expusieron diseñadores de todos los países europeos. Hacia la época de la Primera Guerra Mundial, la naturaleza altamente decorativa del diseño modernista ya había comenzado a ser abandonado a favor de trazos más simples y rectilíneos, más en armonía con la estética planay el menor coste de los diseños industriales. Hacia los años veinte esta tendencia se concretaría en una nueva etiqueta, denominada Art Decó.

El modernismo se extendió de manera muy profusa en las artes gráficas, tanto en la ilustración de libros y revistas (incluida la encuadernación, las cubiertas, los ex-libris), como en el cartelismo (carteles, posters y afiches publicitarios), y todo tipo de soportes: postales, paneles decorativos, papel pintado, textiles, etc, así como en el diseño de tipos de imprenta.

Muy influyente e imitado fue Alfons Mucha. La aceptación de sus diseños, hecho con exquisita delicadeza, y que incluían en su gran mayoría la figura femenina como motivo central, le ganó trabajos a nivel internacional, produciendo también la clave ganadora de un estilo artístico comercial a imitar por los ilustradores de la época. Otros diseñadores muy importantes fueron Charles Rennie Mackintosh, T. Privat Livemont o Franz von Stuck.

En pintura, en contraposición tanto al academicismo, como al impresionismo, se abandonan los temas cotidianos por los contenidos simbólicos y conceptuales, entre los que destaca la mujer, con un tratamiento erótico que llega hasta la perversión. Técnicamente se insiste en la pureza de la línea y la expresividad del dibujo, ambas presentes en artistas posimpresionistas, especialmente en Toulouse-Lautrec. Las formas orgánicas, especialmente vegetales, curvilíneos y vegetales que rellenan todo el espacio ya presentes en movimientos ingleses anteriores se convierten en un leimotiv, paralelo a las formas decorativas de las artes gráficas, con las que están estrechamente identificadas, así como con el cartelismo y la producción litográfica. Los formatos preferidos son los alargados y apaisados.

El modernismo es un arte burgués, muy caro, que intenta integrar en la arquitectura todo el arte y todas las artes. Es una corriente esencialmente decorativa, aunque posee soluciones arquitectónicas originales. Se desarrolla entre los siglos XIX y XX.

Este movimiento utiliza las soluciones que la revolución del hierro y del cristal aportan a la arquitectura, aunque se sirve de la industria para la decoración de interiores y las forjas de la rejería , etc. Sus formas son blandas y redondeadas, aunque no es la unica característia del modernismo, sino la profusión de motivos decorativos. La influencia del modernismo arquitectónico se deja sentir aun en la arquitectura actual. 

El modernismo arquitectónico nace en Bélgica, bajo el nombre de art nouveau, con la obra de Henry van der Velde y Victor Horta. La ondulación de los tejados y fachadas, la aplicación de materiales como el hierro forjado, los motivos de vegetación natural y el cuidado diseño de la decoración y de cada elemento arquitectónico y mobiliario son características de sus obras: de van der Velde la casa Bloemenwerf y de Victor Horta los kioskos y bocas de metro , la escalera de la calle Paul-Emile Janson y el interior del hotel Solvay (muy recargado, con lámparas, papel pintado, vidrieras, etc), el hotel Tassel, la Casa del Pueblo y el Palacio de Bellas Artes, todos ellos en Bruselas, y el Gran Bazar de Francfort.

El movimiento vienés denominado Sezession (1897) tuvo como arquitectos a Otto Wagner y Josef María Olbrich, y el paralelo movimiento de Múnich a Franz von Stuck, mientras que en Inglaterra pueden considerarse dentro del modernismo arquitectónico a William Morris y Charles Rennie Mackintosh. El estilo de Morris no cae en los excesos decorativos, es el más sobrio del movimiento, ya que se centra más en la implantación de la villa en la naturaleza y la valoración del espacio interior  funcional. Los planteamientos de Mackintosh son originales y aportan nuevas soluciones a sus problemas arquitectónicos. Son características las formas prismáticas y octogonales. Diseña además muebles y joyas y construye la Escuela de Arte de Glasgow.

En España, la arquitectura muy poco presente en Madrid, tuvo desarrollo en Cartagena, Ávila, Zamora, Zaragoza, el Bajo Aragón y Ceuta, , algunas de las casas de indianos de la zona cantábrica o Canarias, pero, sobre todo en la ciudad más dinámica de la época, Barcelona. Los arquitectos modernistas catalanes (Rogent y Amat, Domenech y Montaner y Victor Beltri, entre otros, desarrollaron un lenguaje propio, del que partió Antonio Gaudípara desarrollar su particular y personal  universo artístico.

Riga es la ciudad europea con mayor cantidad de edificios art nouveau, a consecuencia del crecimiento de urbano que se produjo a partir del derribe de las murallas y la formación que un grupo de arquitectos recibió en el Aula de Arquitectura que se creó en 1896 en el Instituto Politécnico de Riga.

En SUdamérica el modernismo no tuvo demasiado desarrollo debido a su elevado costo de construcción, a la calidad artesanal de sus ornamentos y al gusto conservador de las clases altas. En la Argentina existen algunos casos notables de la influencia del modernismo en todas sus corrientes, gracias a la inmigración de arquitectos de los diversos países europeos, especialmente en la ciudad de Buenos Aires: dentro de la corriente Juggendstil se destaca el Edificio  Otto Wulff, con su decoración zoológica y sus atlantes y de rasgos duros, y la obra de Oskar Ranzenhofer, el Palacio Vera. Dentro del modernismo catalán se destacan las obras de Julián García Nuñez (como el Hospital Español, y varios edificios de departamentos y ofinicias), y de Eduardo Rodríguez Ortega la Casa de los Lirios. En el art nouveau de línea belga los impulsores fueron Edouard Le Monnier (Yacht Club Argentino) y Louis Dubois (la cúpula del Hotel Chile), y en el floreale italiano, Francesco Gianotti se destacó con la Galería General Güemes, primer rascacielos de Buenos Aires y varios edificios de departamentos y Virginio Colombo deslumbró con sus ostentosos edificios y residencias.

 

Ai Weiwei

El artista con algunas de sus pipas de girasol, hechas en Porcelana

Ai Weiwei (18 de mayo de 1957) es un artista chino contemporáneo, diseñador, arquitecto, escultor, comentarista y activista social. Es conocido artísticamente como el trastocador de objetos. Últimamente es de los artistas más cotizados del mundo. Entre sus obras de arte cabe destacar su obra de 100millones de pipas de girasol de porcelana hechas y pintadas a mano una a una que ha causado una verdadera sensación alfombrando la Tate Modern londinense. 

Ai Weiwei es un artista chino cuyas  grandes obras cercanas al diseño arquitectónico, han desafiado tradicionalmente al poder de su país. Entre sus trabajos más reconocidos destaca la serie de tres fotos realizadas en 1995, en las que se ve como deja caer y rompe un jarrón de la Dinastía Han (202 antes de nuestra era - 220 después de nuestra era).

Sus proyectos han sido expuestos por todo el mundo, y ha participado de la Bienal de Venecia y la Documenta de Kassel. Para muchos, sin embargo, solo saltó a la fama cuando diseñó la intrincada estructura del estadio de los Juegos Olímpicos de Pekín 2008, conocido como Nido de Pájaros, del cual dijo más tarde que no era más que una sonrisa fingida, debido a la utilización propagandística que de él hizo el gobierno. Ai Weiwei ha desarrollado su faceta como arquitecto. Su fama en este campo lo llevó a colaborar como director artístico con el estudio suizo Herzog & De Meuron, encargado de construir el estadio nacional de los Juegos Olímpicos de Pekín 2008. Diseñó una estructura intrincada que se convirtió en el llamado Nido de Pájaros.

Artista y disisente político, Ai Weiwei es el más conocido de los creadores plásticos que ha dado China durante los últimos 50 años. También el más cotizado en Occidente. Pocos combinan como él la disciplina artística y el compromiso social que nace de la certeza de que la habilidad técnica no es nada en el mundo del Arte si le falta una idea motriz.

Ai Weiwei Cube light (2008)

Hijo del famoso poeta Ai Quing empezó estudiando cinematografía, aunque pronto abandonó lo que parecía ser una prometedora carrera para integrarse en el colectivo de artistas Xingxing, que promovía la creación plástica desde el individualismo y la experimentación de vanguardia. Tales planteamientos parecían intolerables en un entorno académico férreamente controlado por el Partido Comunista, por lo que el grupo fue disuelto en 1981, dos años después de su creación.

Ai Weiwei decidió emigrar a Nueva York a los 22 años de edad, y allí conoció de primera mano los postulados del Arte Pop, el Minimalismo y el Arte conceptual. Mientras que trabajaba en cualquier cosa que pudiera reportarle algún dinero para subsistir, estudió de manera informal diversas disciplinas que le fueron muy útiles cuando regresó a China en 1990. Aun debieron transcurrir 13 años para que comenzara a construirse el estadio olímpico de Nido de Pájaro, un trabajo de los arquitectos Herzog y Meuron en el que Ai Weiwei colaboró desde el principio.

A partir de entonces, sus esculturas, fotografías, esculturas y performances comenzaron  a hacerse famosas en todo el mundo, y las principales galerías y museos se disputaban sus obras. Participó en la Bienal de Venecia y en la Documenta de Kassel, obteniendo también un resonado éxito con la espectacular instalación de diseño para la Tate Modern. La Sala de Turbinas de la institución londinense se llenó durante siete meses con 100 millones de pipas de girasol modeladas en porcelana por un millar de artesanos de su país.

A medida que su fama crecía dentro y fuera de China, Ai Weiwei intentó utilizarla para promover la defensa de los derechos humanos en su país, lo que provocó un frontal enfrentamiento con el poder comunista. Su actitud refractaria al pensamiento único quedó perfectamente clara en uno de sus mensajes colgados en Twitter, donde tiene más de 100.000 seguidores: No hay deporte más elegante que tirar piedras contra la autocracia.

Círculo de Animales/Cabezas del Zodíaco

Ai Weiwei pudo seguir a través de la red social la destrucción de su nuevo estudio en Shanghai, que fue derribado por las autoridades locales a consecuencia de unos problemas burocráticos que no debían existir cuando esas mismas autoridades lo invitaron a establecerse allí para reactivar la deprimida economía de la zona. Entre una y otra decisión Ai Weiwei pidió abiertamente desde Londres una mayor apertura del régimen. 


Meses después, el Centro Ullens de Pekín canceló la primera exposición que se iba a celebrar en China, con fotografías, esculturas e instalaciones del artista, aunque las autoridades comunistas no tuvieron que dar instrucciones a la galería para que censurara la muestra. El centro gestionado por los coleccionistas belgas Guy y Myriam Ullens decidió aplazar la convocatoria porque el momento actual no es el adecuado, según explicó una portavoz de la institución, inmersa por entonces en un cambio de estructura que precisaba el apoyo del gobierno chino. 


La política de hostigamiento a tan influyente creador no paró ahí, y el 3 de abril del 2011 varios policías se lo llevaron detenido cuando se disponía a abordar un avión en el aeropuerto de Pekín, desde donde se disponía a viajar a Hong Kong. Desde entonces, su familia carece de datos sobre su paradero, y las autoridades chinas no han presentado cargos contra él como lo exige su propia legislación. Solo la prensa oficial ha aludido a supuestos delitos de carácter económico, de pornografía y de bigamiapara explicar una desaparición que ha generado una auténtica oleada de indignación en el mundo libre, donde las manifestaciones de solidaridad con el artista no dejan de crecer. 


Ai Weiwei ha criticado abiertamente la censura y los controles del Partido Comunista Chino. En 2010 creó en Internet un audio en el que varios voluntarios leían los nombres de 5000 niños muertos en el seísmo de la provincia de Sichuán en 2008, para protestar por las malas condiciones de construcción en el oriente del país. 


Para obtener su libertad el artista firmó una confesión en la que reconoce haber evadido impuestos a través de su negocio de arte y acordó pagar el dinero. Fuentes consultadas por Reuters aseguraron que el artista fue amenazado con pasar 10 años en la cárcel si continuaba incitando a la sublevación contra el poder estatal. Su libertad está condicionada a no tener contactos con periodistas extranjeros, abogados de derechos humanos o alguna figura de la política. A pesar de que también se le prohibió continuar con la publicación de mensajes en Twitter, el artista escribió varios en los que pedía la liberación de otros disidentes que también fueron detenidos. 

Ai Weiwei, Divina Proporción (2006)