Arte Abstracto

Arte abstracto es un concepto general, opuesto al concepto de arte figurativo, que remite a lo más esencial del arte, reducido a sus aspectos cromáticos, formales y estructurales. La abstracción acentúa las formas, abstayéndolas, alejándolas de la reproducción fiel del natural, rechaza cualquier forma de copia de cualquier modelo exterior a la conciencia del artista.

El concepto de arte abstracto se aplica a muchas artes visuales: pintura abstracta, escultura abstracta y artes gráficas abstractas. Su aplicación a otras artes artes plásticas como la arquitectura o a artes no plásticas (música, danza o literatura) es menos evidente. 

El arte abstracto deja de considerar justificado la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual  autónomo. El arte abstracto usa un lenguaje de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real. 

El arte occidental había estado, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, sometido a la lógica de la perspectiva y a un intento de reproducir una ilusión de realidad visible. El arte de culturas distintas a la europea se hicieron accesibles y mostraron formas alternativas de describir experiencias visuales a los artistas. A finales del siglo XIX muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que asumiera los cambios fundamentales que se estaban produciendo en tecnología, ciencia y filosofía. Las fuentes, de las que los artistas tomaban sus argumentos teóricos eran diversas, y reflejaban las preocupaciones intelectuales y sociales en todas las áreas de la cultura occidental de aquella época. 

La abstracción pura surgió alrededor de 1910, como reacción al realismo e influido por la aparición de la fotografía que provocó la crisis del arte figurativo. Este lenguaje se elaboró a partir de las experiencias de vanguardia precedentes. Por un lado el fauvismo y el expresionismo liberaron el color, lo que derivó hacia la abstracción lírica. Otra vía fue la del cubismo, que hizo hincapié en la conceptualización de la forma y de la composición, lo que llevó a la abstracción geométrica. 

Los tres grandes movimientos artísticos, el Romanticismo, el impresionismo y el expresionismo fueron los precursores del arte abstracto. Las primeras innovaciones en el planteamiento artístico se atribuyen a artistas como James McNeill Whistler, quien, en su pintura Nocturne in Black and Gold: The falling Rocket (1872), dio más énfasis a la sensación visual que a la representación de los objetos. 

Paul Cézanne había comenzado como impresionista, pero su reconstrucción lógica de la realidad desde diferentes puntos espaciales, usando el color para crear módulos  planos, se convirtió en la base de un nuevo arte visual que más tarde desarrolló el cubismo de Georges Bracque y Pablo Picasso. 

Los pintores expresionistas exploraron el uso grosero de la superficie pictórica, dibujando distorsiones y exageraciones y color intenso. Los expresionistas produjeron pinturas cargadas emocionalmente que eran reacciones y percepciones de la experiencia contemporánea y reacciones al impresionismo y a otras direcciones más conservadoras de la pintura de finales del siglo XIX. Edvard Munch y James Ensor fueron decisivos para el advenimiento de la abstarcción del siglo XX. 

El posimpresionismo, tal como lo practicaba Paul Gauguin. Georges Seuraut, Vincent Van Gogh y Paul Cézanne, tuvo un enorme impacto en el arte del siglo XX y llevó al advenimiento de la abstracción del siglo XX. La herencia de pintores de estos pintores fue esencial para el desarrollo del arte moderno. A comienzos del siglo XX, Henri Matisse, incluyendo a los precubistas Georges Bracque, André Derain, Raoul Dufy y Maurice de Vlaminck revolucionaron el mundo artístico de París con pinturas de paisajes y figuras salvajes de mucho colorido y expresivos, que los críticos llamaron fauvismo. El crudo lenguaje del color como lo desarrollaron los fauves influyeron directamente a Kandinsky. 

El cubismo, junto al fauvismo fueron los dos movimientos artísticos que abrieron la puerta a la abstracción del siglo XX. Pablo Picasso hizo sus primeras obras cubistas basándose en la idea de Cézanne de que toda representación de la naturaleza puede reducirse a tres sólidos: cubo, esfera y cono. Con Las señoritas de Aviñón (1907)  creó un cuadro nuevo y radical, representando un burdel primitivo crudo, con cinco mujeres violentamente pintadas, que recordaban a máscaras tribales africanas. El cubismo analítico fue desarrollado conjuntamente por Pablo Picasso y Georges Bracque entre 1908 y 1912, para ser seguido por el cubismo sintético practicado pr Bracque, Picasso, Fernand léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marc Duchamp entre otros, hacia los años veinte. El cubismo sintético se caracteriza por la introducción de diferentes texturas, superficies, elementos de collage, papier collé y gran variedad de objetos diversos unidos. 

Algunos acercamientos al arte abstracto tenían conexiones con la música. La música proporciona un ejemplo de una forma de arte que utiliza los elementos abstracto del sonido y las divisiones del tiempo. El mismo Kandinsky, también músico, fue inspirado por la posibilidad de marcas y color asociativo resonando en el alma. La idea había sido propuesta por Charles Baudelaire, que todos nuestros sentidos responden a diversos estímulos, pero los sentidos están conectados en un nivel estético más hondo. 

Íntimamente relacionado está la idea de que el arte tiene la dimensión espiritual y puede trascender la vida de cada día, alcanzando un plano espiritual. La Sociedad Teosófica popularizó la antigua sabiduría de los libros sagrados de la India y China en los primeros años del siglo. Piet Mondrian y Wassily Kandinsky, entre otros artistas trabajaron hacia el estado sin objeto y se vieron interesados en lo oculto, como una manera de crear un objeto interno. Las figuras geométricas del círculo, el cuadrado y el triángulo se convirtieron en elementos espaciales en el arte abstracto, eran, como el color, sistemas fundamentales que estaban por debajo de la realidad visible. 

En la misma época, en Rusia, Mijaíl Lariónov y Natalia Goncharova llevaron hasta la abstracción pura su método de transcripción del fenómeno luminoso, al que denominaron rayonismo. Muchos de los artistas abstractos en Rusia se convirtieton en constructivistas, creyendo que el arte no era más algo remoto, sino la vida misma. El artista debía convertirse en un técnico, aprendiendo a usar las herramientas y materiales de producción moderna. 

Kasimir Malévich completó su primera obra totalmente abstracta, Cuadrado Negro, en 1915. Otro miembro del grupo Liubov Popova creó las Construcciones Arquitectónicas y Construcciones de Fuerza Espacial entre 1916 y 1921. Muchos de aquellos que eran hostiles a la idea de producción materialista abandonaron Rusia. A mediados de los años veinte, el período revolucionario cuando artistas habían sido libres de experimentar, estaba acabado, y para los años treinta solo estaba permitido el arte del realismo social. 

Piet Mondrian fue evolucionando su lenguaje abstracto de líneas horizontales y verticales con rectángulos de color. Entre 1915 y 1919, el neoplasticismo fue la estética que Mondrian, Theo van Doesburg y otros artistas del grupo De Stijl pretendían reformar el medio del futuro. En Italia el futurismo, mezclado con la influencia Bauhaus, señalizó el camino hacia un arte abstracto con una paleta de color cálida, como en las obras de Manlio Rho y Mario Radice. 

En el período de entreguerras (1918- 1939), Theo van Doesburg se alejó del neolpasticismo, y renovó de manera decisiva el arte abstracto, al mantener que la creación artística solo debía estar sometida a reglas controlables y lógicas. El manifiesto de arte concreto que publicó en París en 1931, dio lugar a la tendencia del mismo nombre que tuvo un gran desarrollo en Suiza con Max Bill y Richard Paul Lose, en Francia con François Morellet, y en todas las formas de arte sistemático nacidos después de la guerra. Estas tendencias compitieron con las tendencias tachistas  y gestuales, que el crítico Michel Tapié  reagrupó bajo la denominación de arte informal. 

La tradición abstracta renació en Estados Unidos a partir de finales de la década de 1940, con la Action Painting (Jackson Pollock, Willem de Koonig, Franz Kline) y con la Colour Field Painting, entre cuyos seguidores se encontraba Mark Rothko. Estas tendencias fueron desbancadas, a partir de 1960, por la aparición del arte minimalista, que marcó un nuevo período de interés por la geometría y la estructura, mientras que en Europa y Latinoamérica el Op art y el arte cinético conocían sus horas de gloria. 

El final de la década de 1960 vivió la aparición de una abstracción cntrada en el análisis de sus propios componentes, o bien orientada hacia los problemas de definición de la naturaleza de la imagen con Sigmar Polke y Gerhard Richter en Alemania. Las tendencias neoexpresionistas y neogeométricas que aparecieron durante la década de 1980, mostraron un nuevo período de interés por la abstracción, que siguen adoptando numerosos artistas, inspirados por las más variadas motivaciones.