Escultura del Renacimiento

La escultura del Renacimiento se entiende como un proceso de la escultura de la Antigüedad Clásica. Los escultores encontraron en los restos artísticos y en los descubrimientos de yacimientos de aquella época pasada la inspiración perfecta para sus obras. También se inspiraron en la Naturaleza.

La escultura en el Renacimiento tomó como base y modelo las obras de la Antigüedad clásica y su mitología, con una nueva visión del pensamiento humanista y  de la función de la escultura en el Arte. Como en la escultura griega se buscó la representación naturalista del cuerpo humano desnudo con una técnica muy perfeccionada, gracias al estudio meticuloso de la anatomía del cuerpo humano. 

El cuerpo humano representó la belleza absoluta, cuya correspondencia matemática entre las partes se encontraba bien definida y el contrapposto (oposición armónica de las distintas partes del cuerpo de la figura humana) fue utilizado desde Donatello hasta Miguel Ángel. Fue en el Renacimiento cuando la escultura quedó liberada del marco arquitectónico, los relieves se realizaron con la regla de la perspectiva y se mostraban a los personajes con expresiones de dramatismo, como se puede observar, por ejemplo, en el David de Miguel Ángel.


La escultura del Renacimiento se sirvió de toda clase de materiales, principalmente del mármol, bronce y madera. El bronce compitió con el mármol en monumentos funerarios, fuentes y pequeñas esculturas para decoración de interiores, así como en estatuas ecuestres. Las reproducciones de estatuillas de bronce tuvieron gran difusión en el Renacimiento, debido al gran número de coleccionistas. En Florencia fueron Antonio Pollaiolo y Andrea del Verocchio los iniciadores por encargo de los Medici y del taller de Leonardo da VInci se conservan pequeños bronces con el caballo encabritado.

La madera fue utilizada tanto en Alemania como en España, donde la riqueza forestal y el trabajo tradicional de la madera policromada estaba muy arraigado, utilizándolo en la realización de retablos y altares.


La terracota fue empleada como material más pobre, y por lo tanto más económico, se utilizó terracota de color natural y policromada. El artista italiano Pietro Torrigiano realizó en España varias esculturas de barro policromadas, algunas de ellas se conservan en el Museo de Bellas Artes de Sevilla. A Lucca della Robbia se le atribuye la invención del barro esmaltado que empleó en el tabernáculo de Santa María Novella en Florencia en combinación con el mármol para darle coloridoa la obra. Su taller, continuado por su sobrino, realizó gran cantidad de obras de terracota esmaltada que se difundieron por toda Europa. 


Mientras en el resto de Europa imperaba aun el arte gótico, en Italia comienza en el siglo XV el Quattrocento o Renacimiento temprano. Sus antecedentes tuvieron lugar en el sur de Italia, en la corte de Federico II, bajo cuya protección nació una escuela artística que se anticipaba al Renacimiento del siglo XV. Fue la región de Toscana, durante el anterior período la que heredó esta manera de hacer escultura en la figura de Nicolás Pisano, su hijo Juan Pisano, Andrea Pisano (realizó las primeras puertas del Baptisterio de Florencia) y Nino Pisano.


Nicolás Pisano llegó desde Apulia a establecerse en Pisa (Toscana). Allí se mantenía todavía el arte románico y se empezaba a emplear el gótico. Nicolás Pisano recibió el encargo de labrar el púlpito de la catedral de Pisa, considerada como precursora del Renacimiento italiano.


Los escultores más importantes de este período fueron, sin lugar a dudas, Ghiberti, Donatello y Jacopo della Quercia, seguidos de cerca por Verocchio, ANtonio Pollaiuolo y Agostino di Duccio.

Esta etapa del Quattrocento comenzó con la realización de los relieves de las Puertas del Baptisterio de Florencia realizados por Lorenzo Ghiberti, un joven escultor de veinte años. El Baptisterio ya tenía dos puertas labradas por Andrea Pisano en 1330 y en 1401 se convocó a un concurso para las obras restantes. El concurso fue ganado por Ghiberti, terminando la primera de las dos puertas en 1424, su trabajo fue admirado por lo que la ciudad le encomendó la realización de la segunda puerta (Puertas del Paraíso, como se la conoce), considerada como uno de los grandes hitos del Quattrocento.


El segundo gran escultor de este período fue Donatello. Fue mucho más polifacético en su obra, concentrándose sobre todo en la figura humana. Donatello es considerado como el precursor de Miguel Ángel. Su mayor interés fue la figura humana en las distintas edades, abarcando toda clase de tipos, gestos variados, y expresando en su obra los estados espirituales más heterogéneos. En la escultura de bulto redondo Donatello difundió el retrato renacentista del busto cortado horizontalmente. Esta manera de presentar los bustos retrato fue adoptada por los escultores del Renacimiento y llegó casi hasta la época barroca.


Jacopo della Quercia es el único de este primer grupo de escultores que no es nativo de Florencia, sino de Siena. Su estilo es grandilocuente y masivo, en contraste con el estilo detallado de Ghiberti. Su obra maestra fue la portada central de San Petronio en Bolonia, que comenzó en 1425. En sus relieves domina la monumentalidad y el tratamiento de hercúleos desnudos, anticipándose al estilo de Miguel Ángel. Jacopo della Quercia es el autor de la Fuente Gaia de Siena, de las tumbas de llaria del Caretto en Luca y de Galeazzo Bentivoglio en Bolonia.


El grupo de la familia dela Robbia está encabezado por Luca della Robbia, que se dedicó casi por completo al tratamiento de la infancia y juventud de la figura femenina. Creó una escuela en la que introdujo la técnica del barro vidriado, que fue apareciendo en los más diversos temas, desde el pequeño relieve hasta el retablo con copiosas figuras. También trabajó en mármol y en bronce. Por su parte, Andrea della Robbia, sobrino de Luca fue el mejor dotado de sus seguidores. Es el autor de los tondos de niños labrados en el Spedali degli Innocenti (Hospital de los Inocentes) de Florencia.

Andrea del Veroccio (pintor, escultor y orfebre) estuvo muy influenciado por las obras de Donatello. Incluso llegó a repetir algunas de sus obras, como el David, entre otros. Trabajó en la corte de Lorenzo de Mecici en Florencia. Entre sus alumnos cabe mencionar a Leonardo da Vinci, Perugino, Sandro Botticelli y Ghirlandaio. Su influencia llega hasta el mismísimo Miguel Ángel. 


El Cinquecento o pleno Renacimiento se desarrolló a lo largo del siglo XVI con características diferenciadas en cada una de las dos mitades del siglo, dominando el clasicismo en la primera y el manierismo en la segunda. Supuso el triunfo de las experiencias del Quattrocento. Una de sus características principales es el gusto por la grandiosidad monumental. Mientras los artistas del Quattrocento crearon escuela en Florencia, los artistas del Cinquecento crearon sus obras y desarrollaron su arte principalmente en la ciudad de Roma, centro artístico del nuevo siglo. El artista representativo de este período es Miguel Ángel, personaje de gran fuerza y personalidad.


Miguel Ángel Buonarotti resume  en su persona casi todo el arte escultórico de su época en Italia. En los primeros treinta años de su vida conservó algunas tradiciones del siglo XV produciendo obras moderadas y bellas. De esta época son esculturas de la Madonna de Brujas y la Piedad con algunos Bacos y Cupidos y el David de Florencia, aunque, desde que recibiera los encargos de construir grandes monumentos, comenzó a desarrollar un estilo gigantesco, vigorosísimo, lleno de pasión, único y muy personal, como por ejemplo las estatuas de los sepulcros de los Médici, en Florencia, y la estatua de Moisés.


Sansovino fue un artista educado entre los artistas florentinos que se manifiesta en sus esculturas. Amante de la anatomía y del clasicismo, sobre todo en las estatuas que decoran los mausoleos del cardenal Sforza en la Iglesia Santa María del Popolo. Su discípulo Jacobo Sansovino trabajó en Venecia, siendo el gran difusor de la obra de Miguel Ángel. Una de sus mejores obras escultóricas es el Baco.


Finalmente nos encontramos con Benvenuto Cellini, quien fue escultor y orfebre de profesión. Su obra monumental de bronce de Perseo con la cabeza de Medusa fue un símbolo del triunfo de la familia de los Médici sobre la República florentina. Es también el autor del Cristo de mármol del Monasterio de El Escorial. 

Lorenzo Ghiberti y las Puertas del Baptisterio de Florencia

Mientras en el resto de Europa imperaba todavía el Arte gótico, en Italia comenzaba, en el siglo XV el Quattrocento o Renacimiento temprano. Es el momento en que triunfa el hombre y la naturaleza. La escultura va por delante de la arquitectura y de la pintura, desarrollándose vertiginosamente. Sus antecedentes tuvieron lugar en el sur de Italia, en la corte de Federico II, bajo cuya protección nació una escuela artística que ya se anticipaba del Renacimiento en el siglo XV. 

Será la ciudad de Florencia, ciudad próspera en estos momentos, con la poderosa familia de los Medici, mecenas y promotores del Arte, la que tome el protagonismo en la figura de su mejor representante: Lorenzo Ghiberti. A partir de ese momento ya no se detectará ningún lastre medieval. La escultura florentina será, durante siglo y medio, la dominadora del retrato de busto, del ecuestre, del relieve y del bulto redondo. El material empleado por excelencia en este período fue el mármol. seguido del bronce.

Lorenzo Ghiberti (Florencia, 1378 - 1. de diciembre 1455). Escultor, orfebre, arquitecto y escritor de arte italiano del Quattrocento. Comenzó su actividad artística como orfebre. Sin embargo, no ganó fama hasta 1401, cuando participó del concurso para decorar las segundas puertas del baptisterio de la Catedral (Duomo) de Florencia, resultando ganador, al renunciar al premio con igual mérito, Brunelleschi, también finalista.

Su triunfo en dicho concurso resultó decisivo en su vida, puesto que la magnitud de aquella tarea requirió la creación de un taller de gran tamaño, que se convertiría en el principal de la ciudad durante medio siglo. En él se formaron figuras destacadas del Renacimiento, como Donatello, Michelozzo, Uccello, Masolino y Filarete. 

El trabajo en las denominadas Puertas del Paraíso duró más de veinte años. Se incluyen en ellas veinte episodios de la vida de Cristo y ocho tallas de santos, de un estilo minucioso, cercano al gótico.

Su obra tuvo tanto éxito que el gremio de comerciantes de Florencia le encomendó el encargo de ejecutar para el mismo baptisterio una tercera doble puerta, que acabó en 1452. Está decorada con diez bajorrelieves en bronce dorado que representan escenas del Antiguo Testamento, en un estilo totalmente diferente al anterior, en el que se aplican las reglas de la perspectiva renacentista. Miguel Ángelbautizó esta puerta como Puerta del Paraíso, nombre con la que se la sigue conociendo en la actualidad.

También esculpió algunas estatuas de bronce para la iglesia florentina de Orsamicele. En los últimos años escribió tres tomos de Los Comentarios, en los que se incluían, con valiosas referencias a pintores y escultores italianos, así como una autobiografía que es la primera que se conserva de un artista. 

El Baptisterio de San Juan en Florencia tiene una gran importancia en la historia del Arte Occidental. Su planta octogonal simboliza los ocho días de la Resurrección de Cristo, así como la vida eterna dada a través del bautismo. Sus tres puertas están compuestas por relieves narrativos que se fueron llevando a cabo a lo largo del tiempo y cuya historia vale la pena conocer.

Comencemos en 1330 con el escultor y arquitecto Andrea Pisano quien se encargó de la puerta sur del baptisterio. Es su única obra autógrafa y también su realización más madura. Se destacó en el reto que suponía distribuir el conjunto de escenas a lo largo de las puertas, para lo cual la dividió en rectángulos, separados por marcos de tachones y cabezas de leones en relieve de carácter decorativo. 

La ciudad de Florencia fue la cuna del Renacimiento. El apoyo y promoción que recibían los artistas para impulsar el nuevo movimiento artístico y filosófico fue su esplendor cultural. Con el nuevo espíritu de modernidad, en Florencia se realizaban concursos para que sus monumentos públicos fueran diseñados por los mejores artistas del momento. 

En 1401 se inició el concurso para la realización de la segunda puerta del Baptisterio de San Juan, la puerta norte. Siete escultores competieron en él, incluyendo a Lorenzo Ghibert, Filippo Brunelleschi, Donatello y Jacobo della Quercia. El desafío consistía en realizar un relieve en bronce y oro que representase el Sacrificio de Isaac, lo cual encerraba tres problemas: el primero era un problema expresivo, pues obligaba a realizar dos figuras en contraste, la víctima inconsciente y el renuente verugo, el segundo era narrativo, porque la aparición del ángel debía mostrarse en el momento en que este muestra el carnero y detiene la mano de Abraham, y el último problema era espacial, ya que a cierta distancia de la escena debían aparecer dos figuras humanas con un asno. Además el relieve debía enmarcarse en medallones cuatrifoliares, como los utilizados en la puerta anterior por Andrea Pisano.

El ganador del concurso resultó ser Ghiberti, y hasta se comenta que Brunelleschi estaba tan desilusionado por ese resultado que partió a Roma para estudiar arquitectura y nunca más volvió a esculpir. Ghiberti utilizó el espacio tetralobulado como base para su diseño, situando al ángel y al carnero en las dos secciones salientes de la parte superior y a los pies de los dos jóvenes en el saliente izquierdo del inferior. Las figuras muestran los suaves ritmos del gótico tardío , salvo en Isaac, que muestra un torso helenístico, retomando la forma clásica del arte de la Antigüedad Grecolatina.

La puerta norte del Baptisterio contiene altos relieves con escenas de la vida de Cristo, cuatro evangelistas y cuatro doctores. Estos conservan la composición en cuadrícula que había utilizado Andrea Pisano, con un punto de vista centralizado y una cuasi-simetría espectacular. Pero lo que hizo vencedor a Ghiberti es el hecho de que sus relieves se ajustan aun al arte gótico de Andrea Pisano, con peculiaridades cortesanas de elegancia y delicadeza, a la vez que retoma formalidades clásicas y sobrias, pero sobre todo un arte cargado de espiritualidad y simbolismo.

El Baptisterio de San Juan de Florencia obtuvo su tercera y última puerta en 1452, elaborada también por Ghiberti, quien ya había trabajado en la segunda puerta al ganar el concurso. Esto le concedió la admiración de sus contemporáneos, y por ello, en 1425, los administradores del Baptisterio le adjudicaron directamente la tarea de la realización de la última puerta.

Desde esa fecha hasta 1452 elaboró la puerta actualmente ubicada en el lado este. El resultado final fue tan espléndido que justamente se decidió colocarla en la sección oriental por ser la más jerarquizada de todas. Se dice que fue Miguel Ángel quien las bautizó como las Puertas del Paraíso, porque su belleza y perfección merecía estar en la entrada del Paraíso.

Ghiberti reemplazó los veintiocho paneles cuadrilobulares de las puertas anteriores por diez paneles rectangulares que encierran historias del Antiguo Testamento, comenzando con la creación de Adán y Eva. Elaboradas con una nueva concepción del espacio y de la composición, las escenas ahora poseen un fuerte carácter pictórico. Ghiberti agregó paisajes, arquitecturas, y numerosos personajes en estos relieves trabajados en una multiplicidad de planos sumamente reducidos, que provienen de la técnica de relieve schiacciato (aplastado), inventada por Donatello.

Gracias a las cualidades pictóricas de los distintos planos, la sensación de profundidad espacial aumenta considerablemente. Las complejas composiciones son coherentes y unitarias y la perspectiva central contribuye a generar un orden lógico dentro del cual las multitudinarias figuras se modelan con mayor o menor relieve de acuerdo a su ubicación espacial. Casi parece una pintura en bronce, refinada y elegante.

La Puerta del Paraíso ha sido siempre admirada como su obra maestra. En 1966 fue muy dañada por una inundación, y luego de su restauración se la trasladó al Museo dell' Opera del Duomo y se la sustituyó por una copia.

Alexander Gustave Eiffel

Alexander gustave Eiffel (15 de diciembre de 1832 - 27 de diciembre de 1923). Ingeniero y arquitecto de origen francés. Graduado de la École Centrale des Arts  et Manufactures (Escuela Central de las Artes y de la Manufactura), se hizo famoso con la construcción de varios puentes de la red ferroviaria francesa, el más famoso de ellos es el Viaducto de Garabit. Gustave Eiffel se hizo famoso gracias a la Tour Eiffel, construida para la Exposición Universal de 1889, en París. Después de su retiro de la ingeniería, Eiffel concentró sus energías en la investigación de la meteorología y la aerodinámica, haciendo importantes investigaciones en ambos campos.

Gustave Eiffel nació en Dijon, el 15 de diciembre de 1832. Su familia era originaria de Alemania, eran descendientes de Jean-René Bönickhausen, quien se instaló en París a principios del siglo XVIII. Su padre trabajaba como administrador para el ejército francés. Poco después su madre expandió el negocio de carbón de leña que había heredado de sus padres. El negocio fue un éxito,  suficiente para que  Catharine Eiffel vendiera el negocio en 1843 y se retirara para vivir de dichos ingresos. 

Gustave Eiffel comenzó a asistir a la Collège Sainte Barbe en París, con el fin de prepararse para los difíciles exámenes de ingreso establecidas por las universidades de ingeniería más importantes de Francia. Finalmente consiguió ingresar a la École Centrale des Arts et Manufactures de París, con una formación más profesional que la que ofrecía el École Polythecnique


Después de haber trabajado durante unos meses como ayudante en la fundición de su cuñado, Eiffel se acercó al ingeniero ferroviario Charles Nepveu, quien lo contrató como su secretario privado. Unos pocos meses después la compañía se declaró en quiembra, y, gracias a Nepveu, Gustave Eiffel comenzó a trabajar en la Compagnie des Chemins de Fer de l'Oust, para quienes produjo el diseño de su primer puente de 22 metros de largo, para el ferrocarril de Saint Germain. Algunas de las empresas de Nepveu fueron adquiridas por la Compañía Belga de Materiéls de Chemins de Fer y Nepveau fue nombrado director de ambas fábricas en París, por lo que le ofreció a Eiffel el puesto de jefe de departamento de investigación. En 1857 Nepveu negocia un contrato para la construcción de un puente ferroviario sobre el río Garonne, en Burdeos, la conexión de la línea París-Bordeaux a las líneas que corrían de Sète a Bayona, siendo Gustave Eiffel el responsable del montaje de la carpintería metálica, aunque finalmente se hizo cargo de todo aquel enorme proyecto. 


A finales de 1866 Eiffel logró reunir el dinero necesario para montar sus propios talleres, siendo su primer encargo importante de dos viaductos de la línea férrea entre Lyon y Burdeos. La compañía comenzó a realizar trabajos en otros países, como en Chile, donde se hicieron cargo de la construcción de la iglesia de San Marcos de Arica, un edificio de metal prefabricado en Francia y enviado a América del Sur por piezas para ser ensambladas en el mismo sitio de su construcción. 

En octubre de 1868 se asoció con Théophile Seyrig, y juntos formaron la empresa Eiffel et Cie en 1875, y pronto recibieron importantes contratos, uno para la construcción de la nueva terminal de la línea de Viena en Budapest , el otro, la construcción de un puente sobre el río Duero, en Portugal. La estación de Budapest fue un diseño innovador. El patrón usual para la construcción de una terminal ferroviaria era ocultar la estructura de metal detrás de una fachada elaborada: el diseño de Eiffel para Budapest utiliza la estructura metálica como la pieza central del edificio, flanqueada a ambos lados por piedras convencionales y de vivienda de ladrillo revestido en las estructuras de las oficinas administrativas.


El puente sobre el Duero se produjo como resultado de un concurso realizado por la Compañía de Ferrocarril Real portuguesa. La tarea era muy exigente: el río, de corriente rápida, hasta 20 metros de profundidad, con una cama formada por una gruesa capa de grava que hizo que la construcción de muelles en el lecho imposible, por lo que el puente debía contener un vano central de 160 metros. Se comenzó a trabajar en el proyecto en enero de 1876, completándose a finales de octubre de 1877.


En la Exposición Universal de París en 1878 finalmente logró establecerse como uno de los principales ingenieros de la época. Además de presentar los modelos y dibujos de la labor realizada por la empresa, Gustav Eiffel fue también responsable de la construcción de varios de los edificios de la exposición. Una de ellas, un pabellón para la Compañía de Gas de París fue la primera colaboración de Eiffel con Stephen Sauvestre, futuro jefe de la oficina de arquitectura de la empresa.


En 1879 la compañía pasó a llamarse Compañía de Establissments Eiffel. Aquel año se le concedió el contrato para el viaducto de Garabit, un puente ferroviario cerca de Ruyens en Margeride en el departamento de Cantal. Al igual que el puente del Duero, el proyecto consistió en un viaducto largo atravesando el valle y el cruce del río.


En 1881 Eiffel fue contratado por Auguste Bartholdi, quien estaba en busca de un ingeniero para la construcción de la Estatua de la Libertad. Algunos trabajos ya habían sido realizados por Eugène Viollet Le-Duc, quien había fallecido en 1879. Eiffel fue seleccionado debido a su experiencia con las tensiones de viento. Diseñó una estructura que consiste en una torre de cuatro patas para apoyar la lámina de combre lo que formó el cuerpo de la estatua. La estatua fue erigida en los talleres de Eiffel antes de ser desmantelada y enviada a los Estados Unidos.

En 1886 también diseñó la cúpula del Observatorio Astronómico de Niza. Fue el edificio más importante de un complejo diseñado por Charles Garnier. La cúpula, de un diámetro de 22,4 metros, fue el más grande del mundo cuando se construyó y usó un dispositivo de soporte genial (patentado por Eiffel en 1881): en vez de ruedas o con rodillos fue apoyada por una viga en forma de anillo hueco flotando en una cubeta circular que contenía una solución de cloruro de magnesio en agua.


El diseño de la Torre Eiffel fue originado por Maurice Koechliny Emile Nouguier, que había discutido la idea para una pieza central para la Exposición Universal de 1889. En un principio, Eiffel mostró poco interés en el proyecto. Sin embargo, la idea se mejoró bastante, y, finalmente ganó el apoyo de Gustave Eiffel. El diseño original fue exhibido en la Exposición de Artes Decorativas en otoño de 1884.


Hasta comienzos de 1886 el proyecto estuvo trabado. Con la reelección de Julio Grévy como presidente y el nombramiento de Edouard Lockroy como ministro para las decisiones comerciales, las ideas se comenzaron a hacer realidad. El presupuesto para la Exposición Universal fue aprobado y el 1. de mayo Lockroy anunció un cambio en los términos de la competición que se estaba llevando a cabo para la construcción de la pieza central de dicha exposición: todos los proyectos debían presentar una propuesta de una torre de metal de cuatro lados y de 300 metros de altura, a construirse en el Campo de Marte. El 12 de mayo se creó una comisión para examinar el plan de EIffel y sus rivales: finalmente, la idea del ingeniero fue la única que cumplió con todos los requisitos del pliego. Se comenzó con su construcción el 28 de enero de 1887, finalizándo con la construcción de su estructura a finales de Marzo de 1889.(Para interiorizarse de su construcción ver la entrada en este mismo blog: La Antigua Dama de París: La Tour Eiffel).


En 1887 Gustave Eiffel se involucró en el esfuerzo francés de construir un canal en el itsmo de Panamá. La Compañia del Canal de panamá había tratado de construir un canal a nivel del mar, pero llegó a la conclusión de que era poco práctico. Se cambió el plan y se pidió a Gustave Eiffel que construyera uno con esclusas. Gustave Eiffel había estado trabajando en el proyecto por alrededor de un año, cuando la empresa suspendió los pagos de intereses, y poco después fue liquidada. La reputación de Eiffel sufre graves daños al ser involucrado en el escándalo financiero y político que siguió. El 9 de febrero fue declarado culpable por el delito de malversación de fondos, sentenciado a dos años de prisión y al pago de una multa de 20.000 francos. 

Después de retirarse de la dirección de su propia empresa, Gustave Eiffel comenzó a indagar en el campo de la meteorología y la areodinámica. Sus primeros experimentos aerodinámicos, una investigación de la resistencia del aire de las superficies, con el resultado que la resistencia del aire de un cuerpo está estrechamente relacionado con  el cuadrado de la velocidad aerodinámica. Construyó un laboratorio en el Campo de Marte, al pie de la Torre EIffel, construyendo su primer túnel de viento en 1909, que fue utilizado para investigar las secciones aerodinámicas utilizadas por los pioneros de la aviación, como los hermanos Wright, Gabriel Voisin y Louis Blérior.


La carrera de Gustave Eiffel está relacionada íntimamente con la Revolución Industrial.Por una variedad de razones ésta fue lenta en Francia y Eiffel tuvo la suerte de estar trabajando en un momento de rápido desarrollo industrial en Francia. La importancia de Gustave Eiffel como ingeniero era doble: en primer lugar estaba dispuesto a adoptar técnicas innovadoras antes que los demás, tales como el uso de cajones de aire comprimido y pilares huecos de hierro fundido. En segundo lugar fue un pionero en su insistencia en basar todas las decisiones de ingeniería en una base de cálculo detallado de las fuerzas involucradas, la combinación de este enfoque analítico con una insistencia de un alto nivel de precisión en el dibujo y la fabricación.


El crecimiento de la red de ferrocarriles tuvo un enorme efecto en la vida de la gente, pero a pesar de la enorme cantidad de puentes y otras obras emprendidas por Eiffel, que forman una parte importante de su obra, las dos obras que más ayudaron a hacerlo famoso fueron la estructura interna de la Estatua de la Libertad y la Torre Eiffel, dos proyectos de enorme significado simbólico y hoy en día reconocidos internacionalmente como referentes importantes. La torre también es importante debido a su papel en el que se establece el potencial estético de las estructuras, cuya apariencia está dictada, en gran medida, por consideraciones prácticas. Su contribución a la ciencia aerodinámica es, probablemente, de igual importancia para su trabajo como ingeniero.

Museo de Arte Contemporáneo Niteroi - MAC (Oscar Niemeyer)

El proyecto del MAC-Niterói revela la osadía de un artista experimentado, responsable de una producción que  presenta una lectura bastante personal de los preceptos de la arquitectura racionalista lecorbusiana.

En la década de los 80, el régimen democrático se recuperó en Brasil y Oscar Niemeyer regresó a su patria. Encontró un país diferente al que era cuando fue convocado para diseñar Brasilia, un país cuya población se diseminaba en las periferias de las ciudades.

En las obras de esta época Niemeyer continúa trabajando con tipologías ya exploradas, losas sinuosas, cúpulas, bóvedas y plataformas, es decir, con el vocabulario de su universo curvo. Ubicado en el alto de Miranta da Boa Viagem de la ciudad de Niterói, gozando de una espléndida vista del Pam de Azúcar y el Corcovado, se encuentra justo enfrente de la Bahía de Guanabara de Río de Janeiro, Brasil, accesible a través de un impresionante puente o del ferry.


Aquellos que visitan la obra de 2500 metros cuadrados del Museo de Arte Contemporáneo de Niteroi, admiran una obra donde la técnica da un importante apoyo al arte. Concebida a partir de una figura revolucionaria de doble curvatura, el Museo destaca sobre el acantilado como un simbólico faro levantado frente a la bahía.


La combinación de los elementos que la rodean, una plaza abierta de 2500 metros cuadrados, un espejo de agua en su base con 817 metros cuadrados de superficie y 60 centímetros de profundidad, confieren a la estructura una apariencia de gran ligereza.

La estructura modernista de líneas circulares y con forma de platillo, en algunas ocasiones ha sido comparada con un OVNI. La estructura posa sobre una fuente de agua desde donde pareciera emerger el plato volador blanco, simulando estar suspendido en el aire. 


El proyecto está formado por una planta semienterrado rodeado por el espejo de agua y un cuerpo superior formado por tres niveles. Una rampa serpenteante externa, que conduce al visitante a través de sus 98 metros libres en el espacio, sirve de enlace a las dos primeras plantas del museo, conectando el espacio público con el núcleo central que contiene la sala de exposición permanente. 


Planta baja: Además del almacén donde se guardan obras, hay un bar, un restaurante y un auditorio con una capacidad de 60 personas. En el restaurante, una delgada ventana se abre horizontalmente a lo largo de la fachada permitiendo contemplar la bahía. TAmbién se ubicaron en este subsuelo una central de energía con 800 KVA, bombas hidráulicas y dos tanques de agua de 6000 metros cúbicos cada uno.


Primer nivel: Además de la recepción, una sala de trabajo, un gran hall de entrada, y las dependencias administrativas, se tiene acceso a la gran sala hexagonal y de doble altura, rodeada por una promenade circular que se abre a la vista de la bahía a través de una ventana continua que rodea todo el volumen. El salón de exposiciones mide 393,13 metros cuadrados.

Entrepiso: Este se encuentra entre el primero y el segundo nivel, rodea todo el interior del museo y está dividido en salas menores, destinadas también a exposiciones. 


Segundo nivel: Esta planta está compuesta por cinco galerías, con un total de 697,40 metros cuadrados para exposición. 


Oscar Niemeyer diseñó una estructura radical de dieciséis metros de altura, con una cubierta de cincuenta metros de diámetro y casi 2000 metros cuadrados de superficie, que se sustenta en un solo apoyo central cilíndrico de 9 metros de diámetro, anclado en una zapata gigante de dos metros de altura. Esta compleja estructura que parece flotar en el aire fue diseñada para soportar un peso equivalente a 400 kg por metro cuadrado y vientos de hasta 200 kilómetros por hora.


La gran sala central, con 462 metros cuadrados, completamente libre de columnas y contorneada en la parte superior por un amplio espaciodestinado a muestras menores, ha impulsado la implantación de cuadros con grandes vigas pretensadas y radiales bajo el techo del museo. Dichas vigas se apoyan en seis pilares de 50 cm de diámetro.


Los cuadros de vigas y pilares forman de este modo una especie de mesa que se apoya a su vez sobre la estructura del primer piso. El peso de esta superstructura , transmitidos por las columnas de la mensionada mesa sobre el primer piso es sustentado por un conjunto de vigas radiales realizadas también en concreto pretensado que apoyan sobre el pilar central. 

Para su construcción fueron retiradas 5500 toneladas de material excavado y consumidos 3.200.000 metros cúbicos de hormigón , suficiente para levantar un edificio de 10 plantas.


La cubierta circular recibió un tratamiento térmico e impermeabilizante.


Las vigas fueron construidas con hormigón pretensado.


En la construcción del pavimento de la gran rampa de acceso se ha utilizado hormigón de color tojo, combinado con el blanco de los muros laterales. Los suelos de las salas se revistieron con 3000 metros cuadrados de alfombra azul.


Las 70 planchas de cristal tríplex fueron fabricadas exclusivamente para el proyecto. Cada hoja de 18 mm de espesor, de color bronce, tiene 4, 80 metros de altura y 1.85 de ancho. Encuadradas por perfiles de acero y con una inclinación de 40 grados respecto al plano horizontal, soportan un peso equivalente a 20 personas.


En la sala central la iluminación es técnica envolviendo el ambiente conjuntamente con la iluminación proveniente de las cristaleras. Lo mismo ocurre en la planta superior. Desde dentro de la moldura, formada por la reunión de la planta con el techo, se oculta una luz indirecta que ilumina el ambiente con suavidad.


En total, para iluminar los salones de exposiciones principales fueron necesarias 400 lámparas fluorescentes, y 200 dicroicas. En el entresuelo se colocaron 200 fluorescentes  y 200 dicroicas.


Externamente el museo es iluminado por las luces de 34 focos de avión, de 1000 vatios cada uno e instalados sobre o debajo del agua, en la base del edificio, creando una entonación espacial que destaca la ligereza de la estructura principal. Luz tangensial se extiende por encima de la parte superior de la cubierta dirigiéndose al cielo. Finalmente, para garantizar la seguridad de los visitantes, tanto de día como de noche, la rampa que lleva al museo tiene su contorno delineado por un rayo de luz.

Frank Lloyd Wright

Frank LLoyd Wright (Richland Center, Wiscounsin, 8 de julio de 1867 - Phoenix, Arizona, 9 de abril de 1959), arquitecto estadounidense, fue uno de los principales maestros de la arquitectura del siglo XX, conocido por la arquitectura orgánica y funcional de sus diseños.

Tras abandonar la carrera de ingeniería en Wiscounsin al fallecer su padre, Frank Lloyd Wright se traslada a Chicago, donde la oficina de los arquitectos Adler y Sullivan lo contrataron para trabajar con Sullivan durante 6 años como delineante jefe, hasta que, en 1893, abandona por un altercado que tuvo con él y abrió su propio estudio de arquitectura. En esos años diseñó la Casa Winslow en River Forest, Illinois, la primera de la famosa serie de viviendas de  pradera. Se trata de casas unifamiliares, fuertemente integradas en su entorno. Las cubiertas sobresalen considerablemente de sus fachadas y las ventanas forman una secuencia continua horizontal. El núcleo central de las viviendas lo constituye una gran chimenea, alrededor de la cual se disponen las estancias. 


El planteamiento clásico del diseño de su época era el de considerar la planta y el alzado como aspectos independientes que siguen códigos convencionales de proporciones y de diseño. Las construcciones tenían una disposición celular de habitaciones que se unían por medio de salas y comedores. Frente a ésto Wright  considera el interior en términos funcionales precisos que se reflejan en el exterior. Según la función y siguiendo una geometría elástica, se define la forma y ésta se refleja en la fachada. La arquitectura se plantea de dentro hacia afuera, totalmente opuesta al planteamiento en primer caso de la fachada y su composición, para luego considerar el interior. Para Frank Lloyd Wright la naturaleza tiene una dimensión casi mística , cuanto más se asocia el hombre a la naturaleza mayor es el bienestar personal, es así que sus edificios buscan integrarse a la naturaleza. 

Frank Lloyd Wright: Casa B. Henderson; Elmhurst, Estados Unidos, 1901

Las Casas de la Pradera son la primera aportación que hace a la arquitectura moderba. En ellas el espacio interior aparece articulado con una gran libertad. La estructura que soporta la cubierta se reparte por toda la planta, el muro queda libre de su función sustentante y lo utiliza como mero cerramiento. Este sistema de planta libre permite disponer de grandes voladizos, y crear interiores que se comunican de forma más fluida y quedan ordenados en torno a una chimemea central, También consigue dar un tratamiento a la fachada, donde las ventanas se alargan en horizontal y se ponen al ras del techo. Esto hace que el plano de la cubierta parezca despegado y elevado por encima de los muros verticales y consigue así la destrucción del bloque. 


En esta serie de casas se consigue una gran adaptación al paisaje plano y extenso de la pradera. El edificio se levanta del suelo para obtener una mejor vista, coloca el sótano a nivel de la planta baja, que sirve de basamento de la planta central. La casa es baja, hecha a la medida del hombre y a escala humana. En estas casas Frank L. Wright se diferencia de lo que hará el Movimiento Moderno en Europa unos años después, conservando símbolos que cree que son importantes para el hombre, como: la cubierta inclinada que transmite la idea de refugio, las grandes chimeneas dominantes que guardan un carácter de ritual y expresan la idea de hogar, las sutiles expresiones de los planos verticales de los muros y chimeneas y los horizontales de las cubiertas y terrazas que buscan esa adaptación armoniosa con el entorno.


De las obras de este período destacan: la Casa Willits en Highland Park, Illinois (1902), la Casa Martin en Buffalo, Nueva York (1904), la Casa Heurtley, Oak Park (1902), la Casa Glaser (Illinois, 1905), la Casa Coonley (Illinois, 1908), la Iglesia Unity en Oak Park (1906), la Casa Robie, Chicago (1909), que supone un hito dentro de este tipo de casas y la Casa de la Señora Gale, en Oak Park (1909).

Fallingwater (Casa de la Pradera), quizás su obra más emblemática

Frank Lloyd Wright abandonó a su familia en 1909 y viajó a Europa. El año siguiente presentó sus trabajos en una exposición de arquitectura. Una publicación que se editó de sus obras influyó en las nuevas generaciones de arquitectos europeos.


De regreso en Estados Unidos diseñó su propia vivienda, Taliesin, que en el transcurso de los años se quemó en tres ocasiones, y que siempre volvió a reconstruir.


Entre 1915 y 1922 Wright trabajó junto a Antonin Raymond en el proyecto del Hotel Imperial de Tokio, para el cual desarrolló un nuevo método de construcción resistente a los terremotos, que consistía en colocar sus cimientos en soportes basculares hidráulicos, cuya eficacia se vio comprobada tras permanecer intacto después del terremoto que devastó la ciudad en 1923. Este hotel, lamentablemente, fue demolido en los años 60.


Otro proyecto innovador en cuanto al método de construcción fue la Casa Barnsdall en Los Ángeles, que se realizó con bloques de cemento prefabricados, diseñados por el mismo arquitecto. Este método de construcción lo aplicó también más tarde en otras obras que realizó.


Durante un período de pocos encargos aprovechó el tiempo para escribir un libro sobre planificación urbanística que publicó en 1932, año en el cual comenzó sus tertulias y la escuela en Taliesin, por la cual han pasado grandes arquitectos del siglo XX. Años más tarde creó otro en Arizona y éstos son los lugares donde hoy se manejan sus fundaciones. También es en Tailesin donde se expone el modelo de una ciudad distribuida horizontalmente sobre el territorio y cuyos habitantes disponen de automóviles para desplazarse por ella.

Teatro Kalita Humphreys, Dallas, (1955-59)

Uno de sus proyectos más destacados y más conocidos lo realizó entre 1935 y 1939. Se trata de la Casa Kaufmann o Falingwater House en Bear Run, Pennsylvania, edificada sobre una enorme roca, directamente encima de una cascada con un estilo moderno adelantado a su época. La casa se compone de terrazas colocadas a tres alturas sobre una cascada y así consigue establecer una íntima relación entre sus habitantes y la naturaleza. En cada parte de la casa se puede apreciar la naturaleza del entorno que forma parte del interior de la vivienda.


El Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York (1943 - 1946 y 1955 - 1959) se construye en una época en que la obra de Wright manifiesta su mayor originalidad. Ya no utiliza en los proyectos retículas ortogonales, sin que se investigue el campo de la diagonal y el círculo, creando composiciones completamente nuevas.


En el Guggenheim las obras se exponen a lo largo de una rampa espiral ascendente. Se sube al nivel superior por un ascensor , al que se tiene acceso desde cualquier nivel de la rampa y se va descendiendo por dicha rampa mientras que se observa la obra expuesta, la cual se apoya sobre la pared que está ligeramente inclinada, por lo que mejora la iluminación y la perspectiva del cuadro. Al finalizar el recorrido se llega al nivel bajo del patio central, cerca de la salida. En torno a este patio se enrolla la rampa, que se abre a él recibiendo la luz natural que entra por la bóveda acristalada que cubre el edificio, consiguiendo que la luz dominante sea la luz del día que varía según la hora y la estación del año.


En los años siguientes diseñó toda clase de proyectos, y en todos introdujo criterios originales y avanzados para su época. También escribió otros libros y numerosos artículos, algunos de los cuales se han convertido en clásicos de la arquitectura de nuestro tiempo.Sus artículos y publicaciones son tan numerosos como su obra construida y proyectada, más de 800 edificios, de la cual fue publicada la mitad en forma de dibujo. Frank Lloyd Wright muere en Phoenix, el 9 de abril de 1959, antes de que se terminase el Museo Guggenheim y cuando estaba en construcción la Sinagoga Beth Shalom.

Interior del Museo Guggenheim, Nueva York